KATYA TEIXEIRA LANÇA CD NO SESC BELENZINHO



Será neste sábado, num significativo 13 de maio, Kátya Teixeira estará no Sesc Belenzinho, lançando seu mais recente trabalho, As Flores do Meu Terreiro.



A incansável Kátya, oficialmente paulistana, mas que pode ser chamada  mineira, alagoana  – terra de seus pais – ou gaúcha, dado que faz constantes incursões aos pampas, encantando aquela gente com a força de seu canto e a simpatia irradiante, reflexo de sua alma iluminada, tornando verdade a frase do amigo Zé Maria, que faz parte de seu staff, segundo o qual “...ela não é só um rostinho bonito!”. Pura verdade. Sua identificação com paulistas, mineiros, gaúchos e mesmo portugueses e argentinos, por toda parte onde anda, é pautada pela sinergia que flui do que há de mais genuíno no ser humano: a cultura popular, em toda a sua pureza, por mais que a influência mercadológica sufoque com seu alto volume e superficialidades,  o sentimento puro do povo. Recordações de uma frase lapidar que ouvi certa vez do Naná Vasconcelos ao comentar sobre a lambada, um ritmo em voga em plenos anos 1980: “Só sobrevive se tiver raízes!”



As Flores do Meu Terreiro é um trabalho ímpar em sua trajetória. Poderia dizer ser o disco dos afetos, das amizades, onde densidades alternam levezas. Depois de seu cartão de visitas “Katchere”, do mergulho radical “Lira do Povo”, da homenagem aos inúmeros  parceiros, representados aqui por  Chico Branco, Giordano Mochel, Jean Garfunkel e Luiz Perequê em “Feito Corda e Cantiga”, da viagem intramar com o mineiro Luiz Salgado em “Entre Dois Mares”, vem à luz essa cria iluminada, “As Flores do Meu Terreiro”, permeado de tanta delicadeza e ao mesmo tempo uma força estranha, que sua audição é como se fosse um sarau na sala ou na varanda de casa, com toda a familiaridade de sons extras na roça.



Ah, e não é possivel deixar de mencionar sua atuação no projeto Dandô –o Circulo de Música Dércio Marques, onde a menina retoma o trabalho de mestre Dércio Marques, eterno andarilho da música. Importante ressaltar que o Dandô é nada mais nada menos que um novo mapeamento musical do Brasil.
É comum ouvir dizer que a musica brasileira parou no Clube da Esquina ou nos anos 80. Há quem diga que o ciclo de qualidade tenha se fechado com a Bossa Nova ou a Tropicália ou mesmo no passado longinquo do começo dos anos 1950. Ledo engano: a música brasileira sempre esteve viva e pujante. Quem duvidar que acompanhe o Projeto Dandô e suas inúmeras”revelações” ao público: Paulinho Matricó, Nádia Campos, Sol Bueno, Giancarlo Borba, tantos e tantos outros, além de artistas  mais conhecidos e consagrados como Valdir Verona, Julio Santin, Levi Ramiro, entre outros.




Vamos todos ao Sesc Belencinho, sábado, 13 de maio, 21:00 horas. Garanto, asseguro e dou fé de que será inesquecível, uma verdadeira experiência musical, a afirmação de um Brasil riquíssimo, bem diferente do que aparece nos cadernos de política dos jornais.


Vamos curtir e lavar a alma com a arte honesta,vibrante e alegre de Kátya Teixeira, a Musa da musica brasileira!



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GRAZIELLA HESSEL NO BAR DO FRANGO




No próximo sábado, dia 6  de maio, quem for ao Bar do Frango vai presenciar um exemplo vivo do  sincretismo musical e cultural paulistano: numa breve pausa em suas atividades a cantora, compositora e projetista cultural, Graziella Hessel, se apresentará no local, acompanhada pelo violonista Lucas Tokumoto e o gaitista  Adriano Adiala (gentilmente cedido pela Produtora Agua Grande).

Graziella é uma artista atemporal. Em qualquer época que tivesse nascido, em qualquer lugar, decididamente seu destino seria um só: artista por natureza e oficio. Sua marca registrada é um profundo e sincero amor pela arte. Sua apurada técnica vocal, é um recurso expressivo que remete à tradição bem brasileira das grandes vozes femininas: O timbre jazzístico, muito apropriado ao improviso, a faz navegar com segurança pelo cancioneiro nacional e seus multos sotaques. Quem for ao Bar do Frango no próximo dia 06 terá a fortuna de ouvi-la interpretando um variado leque de compositores – Nelson Cavaquinho, Chico Buarque, Eduardo Gudin, Milton Nascimento, Dolores Duran, Maysa - além de composições de sua própria lavra.



Seu CD solo “Grazie a Dio”, com letras do poeta e jornalista Diorindo Lopes e arranjos do músico e compositor Edson Tobinaga, é exemplo vivo de sua versatilidade e cuidado apurado com a poética.

Ao longo de sua carreira, participou de diversos projetos idealizados por ela que nos remetem a momentos importantes da musica brasileira. Alguns deles:
- Tempos e Terras Brasileiras
- A Noite do Meu Bem
- Frutos da Garoa
- Chuva de Vinicius
- Mais Maysa...


Apresenta-se em espaços universitários, eventos patrocinados pela Prefeitura de São Paulo, Unidades do SESC, Centros Culturais, Bibliotecas, Escolas, Casas Noturnas, etc.

Merece destaque o importante trabalho pedagógico que realiza, fruto de sua experiência como professora e formação acadêmica em canto e violão popular e canto-coral. Seu trabalho é todo voltado para a comunidade menos assistida: Corais Populares, Oficinas de Canto/Violão e Musicalização Infantil. São freqüentes suas apresentações com os respectivos grupos em Escolas, ONGs, Hospitais, entre eles, o Projeto Arquimedes/Talentos Especiais (SECSP), CESCLA (Santa Casa), CEU Rosa da China, NCIs (SMADS), etc.







OS CONVIDADOS:

ADRIANO ADIALA: Artista exclusivo da Produtora Água Grande, o gaitista carioca é um músico, cantor, compositor e instrumentista (harmonicista) que há 30 anos realiza espetáculos musicais em diversos países, divulgando a produção musical brasileira. Um artista sensível e com a consciência do valor da nossa arte musical, Adriano segue a rara linhagem de instrumentistas da harmônica cromática (gaita de boca), cujo exemplo vivo mais conhecido é o saudoso mestre Edu da Gaita, dono de um estilo que realizou uma perfeita sincronia entre o Jazz, a MPB e a Bossa Nova.
Em 1998, após mudar-se para Minas Gerais, criou o projeto “Meninos Gaitistas do Brasil”, dedicado à formação de crianças em áreas de complexidade social.
Ao retornar ao Rio de Janeiro em 2003, Adriano trouxe na bagagem o acúmulo de vivências e experiências com o desenvolvimento do projeto. Realizou turnês pela Europa com o espetáculo “Artesanato Brasileiro”, homônimo de seu CD solo, em que interpreta canções de grandes compositores da música brasileira.



LUCAS TOKUMOTO: o jovem violonista percorre com segurança os vários territórios onde reina o violão brasileiro, desde o  popular ao gosto dos cantores da noite aos complexos arranjos das canções de Chico Buarque e Guinga, por exemplo. Foi aluno do compositor e violonista Chico Branco, estudou na Escola Municipal de Música de São Paulo e  no tradicional Conservatório Municipal de Tatuí. Recentemente estudou com o mestre Luizinho Sete Cordas. Quem o ouve, já nos primeiros acordes reconhece o inconfundível fraseado tipicamente brasileiro, nos levando diretamente a Dilermando, Garoto ou João Pernambuco, bambas do violão, navegantes lépidos entre o popular e erudito.



O LUGAR:

Já falamos noutras ocasiões sobre o famoso Bar do Frango – “aquele que é para poucos” – mas nunca é demais mencionar sua importância para a cultura musical paulistana. Está encravado no coração da Zona Leste, importante referência, sob vários pontos de vistas, notadamente  cultural.
Não é coincidência, é mais do que simbólico: uma confluência de fatores constrói a história do Bar do Frango, lugar extremamente querido por seus freqüentadores, que ali se sentem literalmente em casa. Dizer que o Bar do Frango, do Tatau e de todos nós que o apreciamos, é um nicho de resistência cultural pode soar um tanto presunçoso, além de resvalar em outro perigo, o do mero clichê. Todo cuidado é pouco para não perder pé na confusa realidade que nos cerca nesses incertos tempos cinzentos.

Quem chega ao Bar do Frango, de imediato percebe que por lá nada é cinza ou incerto. Quem adentra seu espaço, com suas cadeiras e mesas de madeira e sua decoração caótica, cosmopolita, de um modo ou de outro se sente em casa, se sente no Brasil, num Brasil mestiço, vibrante e sobretudo alegre e cordial, onde a esperança é uma luz num horizonte possível.  



O Bar do Frango, nos seus mais de 20 anos de existência e resistência pode ser considerado um microcosmo da Zona Leste de São Paulo, sua imensa variedade cultural, um imenso mosaico que abriga desde Centro de Tradições Nordestinas à música de vanguarda altamente sofisticada; do experimentalismo de Arrigo Barnabé, às invenções criativas do Isca de Policia ao blues de sotaque paulistano de Edvaldo Santana.

O Bar do Frango sintetiza tudo isso: visões do Planalto de Piratininga,  do Cerrado, do Sertão e do Mar!


SERVIÇO

O Bar do Frango está localizado na Av.São Lucas, 479.
Referências: Av do Oratório, 2.300, Av Luiz Ignacio de Anhaia Melo, altura do nº 5.000
Aceita cartão de débito.

Entrada Franca

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O VIOLEIRO

“Passando pelas banda
Do meio do sertão
Passei por Alagoinha
Meu companheiro no volante
Desviano das borboleta
Naquele verdume de mato
Gado mugindo no curral
Nessa estrada chegamo
In Ribeira do Pombal...”

(Luiz Carlos Bahia, “Viajano Cum Xangai”,do CD Pote da Memória)




E assim, relembrando os versos de um dos melhores trabalhos autorais da MPB do século XX, o épico Pote da Memória, de Luiz Carlos Bahia, caminhava pelas ruas do Ser-tão paulistano, precisamente ali pela Barão de Itapetininga...
Em meio à azáfama de tipos humanos, de sons, de aromas – são 1001 atmosferas se entrecruzando – sempre há um tempinho pra refletir, meditar. Assuntar. Refletir.
Pensar o Brasil, que esse país é mesmo um ajuntamento caótico, uma fervura. E não por acaso, estou andando pelo Centrão, cuja mistura aleatória de estilos arquitetônicos (clássico/helenístico/rococó/moderno) confundiu a mente então cartesiana do futuro antropólogo Claude Lévi-Strauss, que em terras brasileiras descobriu sua verdadeira vocação acadêmica, que culminou com a descoberta de uma teoria que viria modificar para sempre o conceito de cultura, o estruturalismo (Levi-Strauss demonstrou que não existe cultura inferior ou superior; que existe uma cultura humana, fundada em estruturas comuns, apesar das incontáveis diferenças). O Brasil, São Paulo em particular sempre desafiou e encantou Lèvi-Strauss.




Lèvi-Strauss nunca refletiu em seus trabalhos sobre o sertão, embora tenha o tenha conhecido. Seus olhar era outro, voltava-se para outros contrastes.Se tivesse debruçado sua atenção sobre esse mundo que aprincipio não passa de uma corruptela da expressão “desertão” teria, talvez, se espantado e igualmente se encantado, pois o “sertão” é único.

O sertão é um enigma. É um lugar? Um estado de espírito? Um jeito de ser?
As palavras e os sons: sertão, ser tão, ser-tão.
O sertão é um enigma que salta aos olhos,  um mundo de mistérios seja o sertão imaginário ou o real, que os cientistas denominam semi árido...
Pensar o Sertão é tão enigmático quanto a palavra que inicia a saga do grande romance brasileiro, “Grande Sertão: Veredas”:  Nonada.
 Mas nonada é a palavra-em-si. Quem convive com os mistérios reais e imaginários dos sertões reais e imaginários, compreende o significado de “nonada” e a primeira regra é: não há explicação lógica ou plausível, nonada é intraduzível e tem a simplicidade de uma pitanga madura. (E os dois pontos colocados logo a seguir  de Grande Sertão, o que realmente querem dizer? Ou: no sertão nada é o que parece;o sertão é semovente, uma dansa. Com S!)
Compreender o “sertão” não é para qualquer um. Mas não é matéria somente para doutos, não é para elitistas; compreender o sertão é para quem está disposto a mergulhar. “Que recolha as asas quem teme a vida”, escreveu o escritor húngaro Gyula Krudy, não por acaso, representante de um idioma que tanto fascinou Guimarães Rosa, que afirmou ser o húngaro a língua ideal para a poesia!)
O sertão está dentro da gente, a frase tão conhecida - repete-se ao longo do livro como um mantra – ajuda a compreender: o sertão é um mundo, está por toda parte, é um jeito de ser, um lugar. Metáfora da vida!

E não é que em meio a esses devaneios, não é que sou assaltado por um som, uma música, coisa tão fenomenal que por um momento julguei estar delirando???

“Sou violeiro caminhando só
Por uma estrada caminhando só
Sou uma estrada procurando só
Levar o povo pra cidade só”
(Sidney Miller, A Estrada e o Violeiro)


Pois bem, acredite quem quiser: e não é que um trinado chamou minha atenção por um instante? Um instante, mas  suficiente para deter a caminhada.
Era um toque de viola, soando cristalino na tarde de sabado. As notas escorriam pelo ar como se resvalassem em cristais invisíveis, ocultos na atmosfera turbulenta da metrópole. Era triste e também alegre. Bonito!
Fui na direção do som e lá estava o violeiro, um senhor já de idade avançada, de posse da violinha caipira. Os dedos rudes desfilavam pelo instrumento com uma inaudita delicadeza, extraindo sons que só um profundo mergulho numa cultura pode ser capaz de captar, de descobrir caminhos e segredos. Mãos calejadas, mãos cevadas na lida, mãos de camponês.

Ao lado as pessoas passavam, a maioria indiferentes; uns poucos detinham o passo apressado um momento atraídos magicamente pelo som, mas algo os arrastava e seguiam em frente: a correria da vida os espera... 
Como eu estava desocupado nessa tarde de sábado que avançava preguiçosamente, fui ficando. O velho violeiro desfilava os clássicos do cancioneiro caipira com autoridade e sem floreios. Tronco ereto, rosto compenetrado, segurava a viola e tocava suas cordas como se pedisse licença à Sua Majestade. A cada musica que finalizava, notava-se a satisfação em seu rosto. Uma senhorinha de sorriso adorável o acompanhava, por vezes cantarolava as musicas mais conhecidas.

Num intervalo fui falar com ele. De nome Marquinhos da Viola, forma dupla com Ana Maria e faz lembrar os inesquecíveis Cascatinha e Nhana.
Senti-me um viajante do Tempo, nos primeiros anos da infância ouvindo a Radio Nacional (predecessora da Globo) com o apresentador Edgard Souza e a cada noite uma dupla ou grupo se apresentava: cartas de ouvintes, anúncios de shows (geralmente em circos), os “reclames”, e musica, muita musica: Tonico & Tinoco, Vieira & Vieirinha, Zilo & Zalo, Leôncio e Leonel, Pedro Bento, Zé da Estrada e Celinho, Tião Carreiro & Pardinho, tantos e tantos outros. Miguel e Aninha, o famoso Duo Glacial. (Sempre me pergunto porque eles eram o “Duo Glacial”. Acho que devem ter gostado do nome, como João do Vale que gostou da expressão “vento norte” e a colocou no seu clássico Asa do Vento “...deu mea noite/ a lua faz um trato/ eu assubo nos ares/ vou brincar no vento leste...” Segundo seu parceiro Luiz Vieira, João não tinha a menos idéia do que seria o “vento leste”... Ou viu um locutor falando da previsão do tempo, mencionou “vento leste”, achou bunito e mandou ver!)
Marquinhos da Viola e Ana Maria devem ter se forjado ouvindo e reouvindo toda essa gente que era o que de melhor poderia existir. Ele não disse expressamente, mas tenho por mim que eles cantam e tocam em homenagem e reverência a esses artistas que, de alguma forma, ajudaram a construir uma identidade nacional. Seu repertório é vastíssimo, dominam uma incrível variedade de estilos e ritmos – cateretê, toada, cururu, moda de viola, rasqueado, etc. Até um catira ensaiaram, mas só valia palmas, não dava o sapateado... Não perguntei (devia tê-lo feito!) se tinham composições próprias. Acredito que não.
Num dado momento, perguntaram se queria ouvir alguma em especial. "Qualquer uma do Tião Carreiro", eu disse e cantaram a clássica Pagode em Brasilia.  Que privilégio o meu!
A pequenina caixa de som só captava o instrumento, de modo que as vozes sumiram, mas foi o bastante para perceber que tocavam com dignidade e respeito pela tradição.

Felizmente tinham CDs para vender. 
Comprei um e me arrependi! Me arrependi de não ter comprado mais para distribuir aos amigos. Disquinho simples, singelo, onde interpretam 12 clássicos do nosso cancioneiro caipira, como Casa de caboclo, Couro de Boi, Tristeza do Jeca, Ultimo Adeus, Chico Mineiro, etc.
Se alguém ver por ai um violeiro de nome Marquinhos da Viola acompanhado de sua prenda, a simpática Ana Maria, por favor, oiçam! É o que de mais autentico pode existir da verdadeira arte popular, nosso maior tesouro musical! São o que de mais genuíno podemos chamar de “músicos amadores”. Amadores no sentido de verdadeiramente apaixonados pela musica. São frutos que ao fim e ao cabo se converteram em verdadeiros troncos, de sólidas raízes. Com eles ocorre a metamorfose: de tão imersos na tradição, acabaram por se converter na própria!

Asseguro e dou fé, conforme escreviam (ou ainda escrevem?) os bacharéis cartoriais das cidadelas do interior do Brasil!
Marquinhos da Viola & Ana Maria tem autoridade. E como eles, devem haver muitos outros. Quem compareceu a alguma das edições do “Caipirapuru”, o festival de viola idealizado pelo violeiro Julio Santin e amigos em  Irapurú, pequena cidade da região do Pontal do Paranapanema, sabe o que quero dizer. Por lá ainda há lares (casas de caboclos!) onde a viola é acessório obrigatório na casa. Da mesma forma que a faca de picar fumo, o café de coador e a broa de milho.

É nossa cultura viva, o que há de melhor em termos de pureza, autenticidade! Garanto e dou fé! E tomo emprestado o que escreveu de Lisboa o meu amigo Alexandre Silva: "Parece sentir-se o prazer da audição desses temas tão únicos e tão intrinsecamente ligados à história e à memória de um povo."
E quem puder, compre o CDzinho deles. Os 10 reais valem demais a pena!





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JAIME ALEM E NAIR CÂNDIA, NO SESC POMPÉIA


Jaime Alem e a cantora Nair Cândia vão se apresentar no próximo 9 de fevereiro, no Sesc Pompéia, a partir das 21 horas. Essa noticia por si já bastaria para todos corrermos ao Sesc e garantir já o nosso ingresso.



São artistas de primeira grandeza e temos a certeza de sair de lá de alma lavada, pois não será um simples show de entretenimento numa noite de quinta feira: será um acontecimento, uma aula de cultura musical  brasileira.

Algumas palavras – insuficientes! - sobre a dupla:

- Jaime Além e Nair Cândia formam efetivamente um casal, de arte e de vida, e basta ver o sorriso de felicidade dos dois para saber que ali o Amor chegou pra ficar: amor pela Arte e pela causa – no caso, musica brasileira universal. A harmonia entre eles é perceptível no próprio jeito de ser:

- Jaime,  violeiro, arranjador, maestro, compositor, cujas peças sinfônicas tendo a viola caipira (ou brasileira, como ele prefere chamar) como instrumento solo, ainda vão dar o que falar;
- Nair, cantora de voz lírica marcante. Seu estilo refinado, eivado de sutilezas que só o intenso convívio amoroso e musical é capaz de produzir: sua voz emociona intensamente sem  o pieguismo, que seria até compreensível em se tratando de um casal de fato. Ouví-los, Jaime e Nair, é uma celebração à Vida e a Arte.  A dupla tem em comum a generosidade de emprestar toda bagagem musical adquirida em décadas a serviço da musica brasileira de caráter popular, sem qualquer  concessão comercial ou algo que o valha.

Vamos todos e todas, pois ao Sesc Pompéia! Será uma experiência inesquecível!



Se existe um artista, cujo trabalho possa ser considerado como uma conexão entre os muitos brasis que cabem dentro da idéia de uma Musica Popular Brasileira,  Jaime Além se apresenta como uma síntese dessa arte que deu tão certo no Brasil – sim, o Brasil musical é um Brasil que deu certo: nossos artistas, e falo de artistas com vinculo nas nossas raízes populares, cantigas e acordes gerados nas campos, nas ruas, nos morros, nos terreiros, nos salões, indiscutivelmente, é o que temos de melhor! O resto teremos de adequar, mas musical – culturalmente falando - estamos na vanguarda. Basta ouvi-lo para entender porquê.

A viola brasileira:

Nas últimas décadas, a viola caipira alcançou o patamar de instrumento de elite. Outrora, espécie de “patinho” feio da música, relegada ao nicho de instrumento quase exótico, apesar da longevidade, eis que a violinha se destaca, sobreira, desavergonhada, e hoje em dia se mostra sem pejo. É um instrumento consolidado, que avança pelos palcos do mundo, como nos mostra a francesa Fabienne Magnant, que a ombreia ao violão clássico.





Dois dos discos de Jaime Além, especialmente dedicados ao instrumento são sintomáticos:

- “Dez Cordas do Brasil” remetem, sem explicitar diretamente, ao instrumento que, não seria exagero se o considerássemos símbolo do Brasil; “Dez Cordas” é uma homenagem à viola caipira (ou brasileira, ou nordestina), evocando ao mesmo tempo as “afinações” características (cebolão, rioabaixo, etc.) e aos nossos grandes violeiros. Quem, ao pensar em dez cordas não se lembra de Tião Carreiro, Gedeão da Viola, Renato Andrade? A homenagem vale tanto para os mestres fundadores, como para os violeiros de hoje: Valdir Verona, Ricardo Vignini, Adelmo Arcoverde, Paulo Freire, Indio Cachoeira, Julio Santin, Levi Ramiro, Fernando Deghi e tantos outros,  continuadores da tradição.  
Ouvindo “Dez Cordas do Brasil” reconhecemos em cada faixa os muitos sotaques que a violinha vai arreunindo em sua caminhada;

- “Meu Relicário”, como sugere o título, evoca lembranças afetivas do próprio Jaime, do casal. Mas pensando bem, são lembranças e momentos de todos nós; ao partilhar, de um modo um tanto misterioso, nos reconhecemos em muitas passagens – ouçam, por exemplo, “Sua Presença Querida”: quem, qual cristão que um dia amou ou ama, não identifica entre seus afetos, uma “presença querida”?
Aqui, no álbum, a viola brasileira é o elo, o fio condutor das emoções e da própria história: a linguagem empreendida pelo artista é de fácil compreensão – revelando e/ou confirmando mais uma vez a versatilidade desse incrível e apaixonante instrumento – e ao mesmo tempo, distinta, singular, diferente.
Jaime Além tem uma relação de amor e carinho com a viola (que certamente receberia a aprovação de Gedeão da Viola, para quem a viola era como uma mulher amada). Tem com ela, viola, uma conversa de pé de ouvido e assim lhe extrai as mais guardadas confissões, seus segredos mais profundos, reservados somente aos que a sabem compreender. Neste CD, Jaime nos brinda com algumas peças da Suíte Caboclinha, resultado de suas conversas com ela, a viola. Queira Deus, haveremos ainda de ouvir esse trabalho completo feito especialmente para a Sinfonica de São José dos Campos. (Alguns dos movimentos, podem ser encontrados no youtube).

E tem muito, mas muito mais, a nos revelar, a violinha: num terreiro de chão batido de qualquer dos “sertões” brasileiros, num meio-fio da avenida São João, nos salões de bailes da vida (Miltinho Edilberto que o diga, através do seu uso nos chamados forrós universitários) ou nos salões de concerto.
Paciente, longeva e sábia, a viola é humilde, mas tinhosa: exige respeito. Mas quem souber dialogar com ela, tem uma amiga para toda vida.

DISCOGRAFIA:

A dupla lançou dois discos, hoje raridades:
- Jaime e Nair (1974) e Amanheceremos (1997),  
- CDs Canção do Outro Dia (1997) e Um Banquinho e Um Violão (2001).
Jaime lançou dois Cds solos, duas obras primas:
- Dez Cordas do Brasil (2009) e Meu Relicário (2014)









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TOP DEZ 2017





O  ser-tão paulistano, como sempre acontece todo fim e começo de ano, elege os TOP DEZ!
Como bem sabe quem conhece nossa proposta, em contraponto à grande mídia que por essa mesma época elege as figuras mais representativas da sociedade nas artes, na política, nos esportes, nas ciências, nos negócios, etc., nós destacamos dez personalidades e/ou entidades que foram importantes ou que colaboraram para a vida cultural de nossa cidade, e que dificilmente são citados nos órgãos da grande imprensa, pois, naturalmente seus interesses são de outra natureza, e o afirmamos sem qualquer pretensão de ajuizar valores.
O blog ser-tão paulistano, quem o segue conhece, procura dar espaço para artistas e personalidade que não encontram espaço noutros meios.

2016 foi um ano atípico na vida nacional, mas nem por isso nossa vida artística e cultural deixou de produzir arte de altíssimo nível. Segue abaixo, nossa homenagem, nossos TOP DEZ.  Destacamos DEZ mas poderia ser mais. A ordem é aleatória, e pudéssemos representar graficamente, todos estariam na primeira posição. São Dez figuras representativas, famosas ou não, mas exemplares, importantes no geral e no particular, reprodutores que são de idéias e conceitos de um mundo que pode ser melhor. Potencial, temos:tratamento ejaculação precoce

MARIO GIL, O CD “COMUNHÃO”

O mineiro Mário Gil tece com paciência sua arte de ourivesaria. Desde sua estréia com Luz do Cais, construiu a sólida reputação de ser dos nossos artistas mais criativos, forrando caminho para a produção do antológico Cantos do Mar, inaugurando parceria com um dos melhores letristas do país, Paulo César Pinheiro. Depois de um longo hiato quando se dedicou a produzir outros artistas, neste 2016, Mario lançou “Comunhão”, disco que revisita nossas origens, de Capiba a PC Pinheiro, com o mesmo frescor de novidade que só a arte popular consegue, com sua vivacidade. Mario Gil vai além: sua poética fala de um Brasil real, mas também onírico, imaginário. Lançou simultaneamente “Mar Aberto”, em parceria com Renato Braz, Breno Ruiz e Roberto Leãoqueima48horas.



KÁTYA TEIXEIRA, “AS FLORES DO MEU JARDIM”, “CANTARIAR”, “DANDÔ”

De  Kátya Teixeira pode se dizer que seja mineira, alagoana – terra de seus pais – e paulistana, sua terra natal. Mas também se pode dizer que seja africana, índia, portuguesa, celta, moçárabe. Donde quer que se origine um canto popular, encontra em sua alma ressonância. 2016 foi um ano pródigo. Além de prosseguir com o Projeto Dandõ – Circulo de Musica Dercio Marques, comemorou em alto estilo suas duas décadas de carreira com o belo “Cantariar”. E, deu prosseguimento à etapa de parcerias que desde “Feito Corda e Cantiga” vem encantando o Brasil e  países do Cone Sul da América, viajante incasável que é. Produziu e está prestes a ser encontrado nas melhores casas do ramo o comovente “As Flores do Meu Jardim.”



IMAGENS DO BRASIL PROFUNDO

As conversas musicais que acontecem quinzenalmente às quartas-feiras na Biblioteca Mario de Andrade, sob a coordenação do sociólogo Jair Marcatti são a porta de entrada para conhecermos um Brasil que, desde a histórica viagem de Mário de Andrade nos anos 1920, desafia o público geral e especialistas a indagarem a respeito de um Brasil que é “...além do litoral e qualquer Zona Sul”, como diz a canção do Milton.
Inspirado por Ariano Suassuna, Darci Ribeiro,  Guimarães Rosa e o próprio Mario de Andrade, à cada quinzena um convidado conta sua imersão nos ritmos do Brasil que forjaram uma identidade mestiça única no mundo. Imagens do Brasil Profundo evoca nossa natureza múltipla, amalgamada, diversificada. Em 2016 iluminaram seu palco artistas do porte de: Consuelo de Paula, Jean e Joana Garfunkel, Mario Gil, Carlinhos Antunes, dentre outros.
Passados mais de 70 anos do Projeto O Turista Aprendiz, de Mario de Andrade, o Brasil ainda é desconhecido para a maioria de seu povo. Projetos como  Imagens do Brasil Profundo, ajudam-nos refletir a imensa riqueza para a qual estamos de costas: a cultura brasileira.



ROBERTO BACH: “TERRA”

O tresloucado Roberto Bach não é um artista para multidões. Não que sua obra não seja acessível, ela o é. A única razão que encontro para que ele não seja um artista plenamente reconhecido por todo o país e assim colher os justos louros do sucesso é seu próprio comportamento inrascível perante o show business. Sem papas na língua e não suportando o cinismo moderno, Roberto Bach refugiou-se na Idade Média e é lá que se sente a vontade – embora ele próprio gostasse de uma sina diferente, que não a de um artista quase marginal, mas que produz uma obra única e original, a partir de receitas antiqüíssimas.
Pudera, Bach é um “goliardo”, um renegado, nenhuma das grandes “tribos “ do mundo da arte o aceita pacificamente, o que é uma pena, pois seu enorme e inigualável  talento fica praticamente desconhecido do grande público.
Depois da Trilogia Medieval – “Oliveira”, “Pequeno Concerto Campestre” e “A Colina dos Cavalos Fortes” – e um disco que reproduz fielmente os principais episódios de Os Sertões, de Euclides da Cunha (Os Sertões – Bahia Lavada Em Sangue), ele lança no final de 2016, “Terra”, baseado na obra de Glauber Rocha, outro renegado das artes. O “Terra” pode ser encontrado (antes que desapareça!) na loja Baratos Afins,  na famosa galeria da Rua 24 de Maio, centro de São Paulo.


O SUL EM CIMA, PROGRAMA DE RÁDIO

Ganhador do Prêmio APCA de Melhor Programa de Radio do Brasil, O Sul Em Cima, produzido por Mariusa Kineuchi e apresentado por Kleiton Ramil, é uma ampla janela por onde podemos vislumbrar a cultura pampeana de um modo que o resto do Brasil (talvez do mundo!) desconhece! Esqueçam os estereótipos que ao longo do tempo se formatou sobre os gaúchos - o bagual, o chucro, o vanera, o vanerão, etc e  etc.
Sim, existe o traje tradicional, a indumentária característica, mas da mesma forma como existe a do caipira do interior de São Paulo, do vaqueiro nordestino com seu traje de couro.
Existe um Sul urbano que se mescla ao rural, múltiplos dialetos, de muitas tribos, sem limites territoriais precisos, por onde circulam brasileiros, argentinos, uruguaios,  paraguaios. Refletido na música, vislumbramos um mosaico musical que vai do canto tradicional ao lírico. Uma verdadeira montanha russa de estilos, a cada domingo, uma surpresa, das 15 as 16 horas (horário de verão brasileiro) na Radio USP. O endereço na Internet: www.radio.usp.br.


POEMODA – A CANÇÃO EM VERSO E PROSA

Se alguém algum dia se perguntou se há vida inteligente na Internet, ouçam o Poemoda, as quartas feiras, das 21 as 22 horas (horário de verão brasileiro), magistralmente conduzido por  Etel Frota e Alan Romero, e contando com inúmeros colaboradores. A cada semana, uma seleção meticulosa sobre um tema corrente com nossos melhores artistas (músicos, poetas, escritores, etc.), entre nomes consagrados, ou pouco conhecidos, pois o critério fundamental é a qualidade.
Parafraseando o notável Carlito Maia: “...se o Poemoda não existisse, precisaria ser criado agora mesmo!” A cada dia arregimentando novos “poemoças” e “poemoços” POEMODA, a Canção em Verso & Prosa é uma pausa na azáfama cotidiana para se reabastecer de doçura e ternura !


PREMIO GRÃO DE MÚSICA

Em 2016 ocorreu a terceira versão do Premio Grão de Música. Idealizado por Socorro Lira, o troféu criado por Elifas Andreatto é um símbolo da resistência da música independente do Brasil.
Um grão que seja de pureza e de verdade, resgatando e preservando. Mas o Grão de Música é mais que um simples Grão, é um elo que agrega. Não é um prêmio em dinheiro – por ora, mas de reconhecimento. Uma festa bonita, sempre no auditório da Galeria Olido. Vale muito a pena ver a alegria do artista reconhecido por seus pares e o público!


NOEL ANDRADE & BLUES ETILICOS

O elo que os une é o violeiro Tião Carreiro. Noel Andrade, jovem violeiro, discípulo de Gedeão da Viola - que dispensa comentários - e que apesar de fidelíssimo às mais profundas tradições caipiras, tem a cabeça aberta musicalmente para buscar e ampliar novas linguagens musicais, juntou-se à conhecida banda Blues Etilicos e juntos apresentaram no Sesc Belenzinho o show “As Dez Cordas de Tião Carreiro.”
Não é de hoje de Tião Carreiro chama a atenção de fora do universo violeiro. Foi a inspiração direta da formação da banda Matuto Moderno, ao transformarem os solenes acordes da violinha em Hard Heavy!
Noel Andrade & Blues Etílicos encantaram o público colocando lado a lado e misturando linguagens e gerações. Belo projeto, que abre espaço para cada vez mais o velho Tião Carreiro ser reconhecido como grande músico e não apenas o criador e rei do pagode. A parceria de Noel & Blues Etílicos rendeu um CD que brevemente estará nas melhores casas do ramo.


JOSE VICENTE NETO, ENTRE CÉU E MAR

O CD O Tempo e o Vento é um marco na discografia brasileira. Tem uma história linda, inspirado que foi pelos versos de Cecilia Meireles. Não só Cecília, mas por outras latinidades e brasilidades:  O Tempo e o Vento fala de vida, é leve e é denso, fincado que está nas raízes do tempo, ao passo que nos faz planar/levitar entre o sol e o vento. É um desdobramento que continua.
Inspirou o poeta Jose Vicente Neto, conterrâneo de Consuelo em surpreendentes e arrojados versos, nascidos da audição do disco. Como ele mesmo disse: “...me desassoguei, sobrevoei sonhos! Arranquei amarras! Arrevoei!”




ELOMAR E JOÃO OMAR NO SESC BELENZINHO

O show que Elomar e João Omar, acompanhados pelo violoncello de Ocello Mendonça, deveria transformar-se em tournée, pelo  Brasil e pelo mundo. Poucas vezes o universo elomariano foi tão bem bem sintetizado: para quem conhece a trajetória do velho bardo de Vitória da Conquista, tudo esteve ali representado: as cançonetas do universo catingueiro – ou sertanez como ele prefere -, algumas árias de suas peças eruditas, além das canções conhecidas, aquelas que todos cantam junto como Campo Branco e Arrumação.
 E de arremate, João Omar e seu violão brindou o público com algumas composições de sua própria lavra, além de peças de autoria de seu pai, especialmente compostas para violão. Definitivamente João Omar se consagra como grande interprete. O mundo é o limite!



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"TERRA", O NOVO DISCO DE ROBERTO BACH



O trovador Roberto Bach está mais do que nunca decidido a desvendar histórias e mistérios da Bahia. Mas não da Bahia comum.  A que falamos aqui vai além do que nos conta os livros de história e os estereótipos que cercam batucares de tambor num mundo mítico onde reina o eterno carnaval, fantasia que ainda norteia turista menos avisado.

Fora as fantasias grotescamente comerciais, a ditas “pra inglês ver”, a Bahia é um manancial invejável de cultura e história que vai do conhecido mundialmente Jorge Amado ao quase desconhecido e também escritor Jorge Medauar, tão bom e tão importante para a compreensão da cultura baiana quanto o xará mil vezes mais famoso. E o mais espantoso é que há muita coisa ainda por descobrir em relação à Bahia; há uma aura mística que envolve praticamente todos os aspectos da vida de quaisquer das regiões do Estado, do rural ao urbano, do litoral ao interior profundo; são tantos e tão diversificados os aspectos da vida baiana que grande parte deles passam despercebidos aos olhos de todos: misticismo, magia e realidade se imbricam, aguçando a imaginação artística, porém, são poucos que logram tocar-lhe verdadeiramente o cerne.

Roberto Bach decidiu-se por dar atenção ao interior/sertão baiano, que, apesar de razoavelmente conhecido, é pouco explorado – ou pelo menos, não tanto quanto deveria. Seu olhar atento, curioso e de certo modo sentimental, rendeu por ora seus dois últimos CDs:  “Os Sertões”, baseado na obra de Euclides da Cunha, onde conta e canta através de 13 canções, que fazem as vezes de “capítulos”,  o pior massacre de nossa história e agora prepara  “Terra”, com forte referência à obra do cineasta Glauber Rocha, natural de Vitória da Conquista.


Antonio Roberto de Oliveira Bach vive há mais de 30 anos em Vitória da Conquista, fez daquela cidade do sertão baiano seu porto seguro. Isso certamente não foi acaso, pois aquele é um lugar que parece dotado pela Providência de dons poéticos, como se uma substancia desconhecida existente em suas águas ou no próprio ar tornasse a produção artística algo corriqueiro. Se não, vejamos: é por aquelas paragens que nasceu e vive o bardo Elomar Figueira de Melo, um dos “troncos” ou esteios fundamentais da música brasileira, a ponto de ombrear com Vila-Lobos, Noel Rosa, Gonzagão,  Noel Guarani, Chiquinha Gonzaga, Caymmi. Elomar imortalizou a geografia rústica da região ao torná-la cenário de suas peças que evocam a cultura ibérica antiga até o Oriente Médio.

Vitória da Conquista, lugar de beleza áspera e forte, é terra de poetas, cantadores, artistas plásticos. E não deve ser por acaso ser a terra natal do cineasta Glauber, o mais importante do cinema brasileiro, a despeito de gostar ou não de seus filmes. Independente de sua estética cinematográfica ou de sua proposta ideológica, Glauber foi antes de tudo, um  pensador da cultura brasileira: com ele o Brasil se descobriu capaz de produzir seu próprio cinema, sem se submeter aos modelos dos grandes centros, Europa e EUA. Glauber merecia ser melhor conhecido, deveria servir mais de inspiração para todos nós. Um CD com musicas inspiradas em sua figura e em sua atuação é um alento num país que não dá muito valor à sua história; a falta de cuidado para com os patrimônios nacionais é o puro reflexo disso, mas tenho forte esperança de que um dia isso mudará.



UMA PONTE ENTRE CANUDOS E VITÓRIA DA CONQUISTA

A Bahia retratada por Roberto Bach são dois recortes precisos e representativos, Canudos e Vitória da Conquista. A distancia  temporal e espacial entre as duas é facilmente ligada por uma ponte: são duas presenças fortes no imaginário nacional: a tragédia dos sertanejos seguidores de Antonio Mendes Maciel, o “Conselheiro” e o universo Glauberiano.
A construção dessa ponte imaginária de Canudos a Vitória da Conquista desenha um novo ciclo da carreira de Roberto Bach: os dois trabalhos surgem a seguir à sua fase medievalesca. A alcunha “menestrel” lhe cai adequadamente, pois provavelmente seja o nosso mais autentico trovador do Brasil, conhecedor profundo da música e da cultura medieval, de caráter europeu, mas que encontrou no interior do nordeste brasileiro ecos cujas ressonâncias persistem até os dias de hoje, graças ao isolamento (ou abandono) a que a região foi submetida. A musica do Quinteto e da Orquestra Armorial, o próprio Elomar citado aqui, em todos eles a influência medieval se destaca. Roberto  Bach muito pesquisou compositores e escritores dessa época fascinante e pouco conhecida do mundo: a atmosfera mítica e mágica do período pode ser pressentida em sua trilogia Oliveira, Pequeno Concerto Campestre e A Colina dos Cavalos Fortes, que alguns chamam não sem razão de Renascentista – eu prefiro  medieval.
(Por ocasião do lançamento d’A Colina dos Cavalos Fortes declarou que sua obra do período estava esgotada, sob o risco de repetir-se a si mesmo).

O disco Os Sertões, trabalho baseado em Euclides da Cunha, é uma espécie de repetição do mundo medieval, mas nele não está mais a dolência das cantigas de amor ou de amigo, nem a ironia das cantigas de escárnio; n’Os Sertões o mundo “medieval” é pressentido sob seu ponto de vista mais cruel, ao retratar a tragédia sertaneja ocorrida no final do século XIX na cidadela de Canudos. O título desse disco foi posteriormente mudado para “Bahia Banhada em Sangue” e novos arranjos acrescentados, com a introdução de guitarras elétricas a la Pink Floyd – que  valeram o subtítulo de “Musica Progressiva Brasileira”. Essas variantes e acréscimos apenas dão conta da mente febril e quase delirante desse Goliardo em época errada, nascido por acaso no século XX.
(Os Goliardos – numa definição superficialíssima - eram monges/clérigos pobres  expulsos dos mosteiros e para sobreviver tocavam e cantavam nas festas profanas. Escreviam poemas satíricos, cínicos, anticlericais, eivados de desprezo e rancor. Atacavam diretamente a Igreja, a quem acusavam de hipocrisia moral, mas atacavam diretamente qualquer forma de hierarquia organizada e por isso foram duramente perseguidos. Músicos talentosos e malditos, são hoje chamados os hippies da Idade Média. Uma de suas peças que sobreviveu ao tempo é a Ópera Carmina Burana, versos Goliardos musicados por Carl Orff).

E  depois d’Os Sertões ou Bahia Banhada em Sangue, ele acaba por estabelecer (ou restabelecer) a ponte, pois muitos dos personagens reais da tragédia canudense poderiam ser personagens de quaisquer dos filmes de Glauber: os retoques finais dessa ponte estão sendo finalizados e o CD “Terra” deve estar pronto em  meados de novembro.

Quem conhece os filmes de Glauber vai entender: a referência a “Terra” remete diretamente ao cineasta e é um convite a realizar uma viagem sonora  e sentimental pelas terras que povoaram e inspiraram a mente inquieta  do criador revolucionário de  “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, “Terra em Transe” e “A Idade da Terra”.




Ouvindo suas 10 faixas, mais um bônus, as canções são andanças pelo universo glauberiano: ora são referências sentimentais da infância, ora se referem à atuação do artista que via na arte um instrumento de transformação sócio-cultural, ora o poeta louco, delirante, que misturava neorealismo com nouvelle vague, numa estética hiperrealista. Seus personagens vagueiam por um sertão atemporal, sem rumo, como sobreviventes de um cataclisma apocalíptico: seres renegados, sem terra, sem educação, verdadeiros parias em sua própria pátria.
Existe, assim, uma ponte nem tão imaginária entre massacre de Canudos e o universo glauberiano, como se esse último fosse o limbo onde as sofridas almas dos protegidos do Conselheiros que vagueavam dispersas pelos muitos sertões, finalmente encontrassem incerto e precário pouso.
Roberto Bach ouviu suas vozes e traduziu seus dramas, transformando em música que ora nos encanta com uma dolência quase inocente ora nos fere com a aspereza de estocadas impiedosas de punhais, violentas explosões onde se sente o cheiro de pólvora e pela Terra respinga sangue. Uma característica dessa nova fase do compositor é a incursão por novos estilos, como “cirandas” e “reisados”, elementos fundamentais do universo sertanejo.

Como num exercício de prestidigitação, somos transportados no tempo: os cinco séculos, desde o Descobrimento (que o paraguaio Roa Bastos chama de “Encobrimento”, em seu livro A Vigilia do Almirante), que contemplam o interminável drama sertanejo. Entra governo sai governo muda regime político e o sertão ainda é o mesmo.

As musicas do “Terra”:

1 – Terra
2 – Casa de farinha
3 – Ciranda de praia
4 – Dentro de mim
5 – Lembranças apenas
6 – As folhas e a vida
7 – Os três segredos da vida
8 – Reisado
9 – Roupa de feira
10 – O poeta louco

Faixa bônus: Chuva em açoite


 CONCLUSÃO?

Nalgum ponto acima eu disse que Roberto Bach é um goliardo nascido na época errada. Ou talvez não.Talvez tenha nascido exatamente na época em que seu espírito rebelde e provocador, que nega veementemente fazer média com as hipocrisias reinantes nessa época confusa, e que –exatamente em tempos como esses, seja o profeta a brandir versos e acordes denunciadoras. E por isso é amaldiçoado.
Seu disco está pronto, é uma obra prima, assim como seus trabalhos anteriores, porém é escandalosamente ignorado por todas as mídias. Obras clássicas que são, de inegável valor artístico e cultural, um dia será reconhecida, aplaudida, quiçá estudada, esmiuçada. Por ora Roberto Bach procura parcerias para lançar seu trabalho.



SERVIÇO: em São Paulo, o CD estará à venda na loja BARATOS AFINS, uma referência há décadas da produção independente da Musica Popular Brasileira.Atualmente lá pode ser encontrado "A Colina dos Cavalos Fortes", obra que encerra a trilogia medieval (ou renascentista).




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AMAURI FALABELLA: A VIOLA INVADE A CIDADE


O jeito de tocar e cantar, tão familiar e tão autêntico, coloca quem ouve Amauri Falabella frente a um enigma: simplesmente não é possível acreditar que ele não tenha nascido e vivido no interior mais profundo do país.

No entanto, conforme sugere o titulo de seu segundo CD,  “Violeiro Urbano”, Amauri é inteiramente urbano. Nasceu e vive em Guarulhos, onde trabalha e exerce intensa atividade educacional e cultural. Cantor, compositor, trovador, violeiro, ele tem dentro de si uma verdadeira Legião, onde se misturam, condensam, amalgamam, os inúmeros estilos que o influenciaram desde sempre: de Vital Farias à Elomar; de Vidal França à Dércio Marques, passando pelos mestres da arte popular e o requinte de letras e arranjos sofisticados. Amauri é um servo fiel da arte musical.


Sua especial ligação com a viola caipira, um instrumento de origem européia, mas que encontrou no Brasil o seu jeito definitivo de ser, é dessas coisas misteriosas, inexplicáveis,

“Sou um violeiro diferente
Não nasci no interior
Eu jamais toquei boiada
Não conheço quase  nada
Das coisas do sertão
Mas quando pego a viola
Sinto uma coisa esquisita
Minha alma se agita ai ai ai
Não consigo largar dela ai ai ai”
(...)

Os versos acima abrem a musica título de “Violeiro Urbano” e são nítida, reconhecidamente autobiográficos. O que seria isso, se não a memória ancestral, viajante dos tempos que ao encontrar guarida, ali se instala? E que instrumento mais adequado e receptivo poderia encontrar a Musa Música que o coração, os dedos e a mente prodigiosa do criador de “Ciranda Lunar”, um viajante das estrelas? (Ele não é apenas violeiro, é músico completo, compõe versos e arranjos, e sobre qualquer um desses aspectos de sua arte, poderíamos aqui discorrer. Fiquemos, por ora, com o violeiro, dado o espaço reduzido do blogue).

Amauri Falabella dedilha a viola com técnica e sentimento, autenticidade, pois para ele, é meio de expressão. Um intérprete do sentimento da condição do homem moderno que vive o drama da separação da natureza. Quando empunha a viola ou o violão, o faz como o escritor empunha a caneta, o lavrador empunha a enxada ou o motorista profissional que segura o volante do carro ou caminhão. Um menos avisado poderia alegar tratar-se de técnica apurada, tal como se dá em muitos casos de  músicos brilhantes, virtuoses. Mas com ele, é algo além da técnica.Amauri é Alma: alma sertaneja e alma caipira.


CAIPIRA E SERTANEJO

Alma sertaneja e alma caipira. Existem sutis diferenças, sendo a mais evidente e mais importante a referência imaginária de lugar. O caipira comum característico é do interior paulista, e no seu toque facilmente reconhecemos a melancolia fruto de sua vida dura e da labuta na roça, ao contrário, por exemplo, do violeiro do litoral, mais gregário e festeiro. Variantes caipira se estendem entre São Paulo, Minas, partes de Goiás, o território aqui considerado não coincide com o mapa geográfico.
Já de Minas pra riba vamos encontrar a viola sertaneja, e seu timbre característico nos lembra as sagas medievalescas, os romances – talvez o termo mais adequado, nesse caso, seja rimance, do português arcáico. Para a execução dessas peças, a viola sertaneja de Adelmo Arcoverde é o exemplo mais evidente (naturalmente que quando falo da alma sertaneja de Amauri Falabella, não me refiro ao estilo de tocar, mas sim a evocação nostálgica imagética a que sua arte nos induz).
Caipira, Sertanejo: as figuras simbólicas mais conhecidas no imaginário são o Jeca Tatu e o Vaqueiro Encourado, mesmo com todos os riscos que traz ao entendimento a recorrência a tais estereótipos.
Praticamente todas as regiões rurais do país tem o jeito peculiar de tocar viola, seu timbre peculiar: ao se ouvir o violeiro, pode-se com relativa facilidade reconhecer  o estado ou região de origem de acordo com o estilo. Isso não se dá com Amauri, é ponto fora da curva,  pois, como sugere o título de seu segundo CD, é um Violeiro Urbano: não se lhe reconhece a origem: é Todos e Um, é coisa de alma, e as duas –  caipira e a sertaneja -, convivem harmoniosamente no mesmo ser.

Ao dedilhar e trinar sua viola, Amauri se transmuda e se alterna, é caipira, é sertanejo, sem deixar de ser o poeta trovador, sendo igualmente o Aedo: ouvir Amauri é ter a impressão de estar ouvindo um andarilho, desses que andam por toda parte e dotado de invejável memória, nos conta histórias de lugares distantes, figura muito comum na Idade Média quando andavam pelas vilas e burgos literalmente cantando novidades que de outro modo demoravam meses para chegar.Tais personagens eram comuns no Brasil dos séculos XVII e XVIII, causando indignação ao viajante Auguste Saint-Hilaire que num determinado trecho do seu livro “Viagem Às Nascentes do São Francisco”, diz que “...nesta terra basta ter uma viola às costas para divertir às pessoas e assim garantir pouso e comida!” 
Amauri, assim como Dércio, Perequê, Adelmo, Wilson Dias, Levi Ramiro, Paulo Freire, Zé Côco do Riachão, "seu" Manoel de Oliveira e muitos outros são herdeiros diretos dessa estirpe de poetas e músicos solitários que percorriam léguas e léguas a pé, depois em lombo de mula, mais tarde de trem, hoje de jeep, ônibus, carro ou avião. Não importa o meio de transporte, importa a função!


Amauri é poeta do ar - voa com os pássaros;
é poeta das flores – faz de pétalas floridas pouso e morada;
é poeta das águas, é poeta dos amore;
é poeta das amizades.
E assim viaja pelos mundos, reais ou imaginários, como uma ave benfazeja e encantatória:

Vai pela vida,  Poeta,
avoa,  avoa nas varandas
entoando modas e cirandas,
 com tambores, violas, violões.
Enternecendo poentes
bordando versos e canções
herança de um país
convidando à contradança!


Sua música evoca Minas e o interior de São Paulo. É música florida, se ouve junto o marulhar de águas, cantos de pássaros, sente-se no ar um clima de arreuniões festeiras.

DISCOGRAFIA

São quatro discos lançados até agora, além de muitas participações em discos de amigos e parceiros.
Cada um dos discos é uma história distinta, diferente, mas existe unidade entre os trabalhos e por isso poderíamos perguntar se seria cada um dos quatro discos, o desdobrar de uma história única, contínua? Uma sinfonia, é a vida de Amauri?
Todos e Um.

Cada um de seus discos merece ser agraciado como deve ser um dos artistas mais importantes de sua geração. Que se ouça, e que cada um diga por si:

Ciranda Lunar – 2001, trabalho antológico.A canção-título é um clássico

Violeiro Urbano – 2005, verdadeiro manifesto de sua crença artística


Amauri Falabella – 2009, destaque para as parcerias, que continuariam no CD seguinte


Parcerias – 2015, uma verdadeira arreunião de parceiros, de diversas partes do Brasil



UMA DEFINIÇÃO?

É simples e difícil falar e escrever sobre Amauri Falabella. Palavras não bastam, pois são pobres e insuficientes para definir um artista de sua grandeza. Ele tem o Brasil, suas cores, seus ritmos, suas melodias, tem tudo dentro de si. E tudo isso, todo esse gigantismo artístico contrasta com a doçura e humildade de sua pessoa, que dedica a cada verso, a cada estrofe, a cada acorde a dedicação de um ourives.
Sua auto-definição,

“...sou passarinho sonhador,
 fiz meu ninho numa estrela,
levo no bico pra longe toda a dor...”

 é um retrato bastante fiel e também involuntário  de si mesmo. Explica por si a delicadeza e lirismo com que pinta delicadamente cada etapa de sua trajetória,  e então nos damos conta de que Amauri compõe mesmo é uma Sinfonia. Uma Sinfonia que poderia se chamar Brasil. Cada disco lançado, um andamento revelado.

Para explicar um poeta, só mesmo outro poeta – no caso, uma poeta: a melhor definição que encontrei para Amauri Falabella estão gravadas no encarte de seu último (até aqui) trabalho, adequadamente chamado “Parcerias”.
Com a palavra, Consuelo de Paula:

Amauri Falabella caminha sobre as manhãs.
Segue pela outra margem do grande rio.
Ele conhece a alma da viola, seu fado é
inventar canções por ‘veredas que não tem fim’.
Ele canta num vislumbre do tempo com sua energia fluente:
‘o estalar da madeira
tinindo no violão
arrochando o peito da gente
numa forma de oração’.
Arranha as cordas de sua voz e de seus violões, entoando:
‘o sândalo perfuma o machado que o fere’!
E o andarilho continua até que o beijo seja flor,
sem nunca quebrar a corrente d’água,
Deixando a vida correr como um rio,
até que um dia possa cantar a última moda.
Por isso Amauri reúne parceiros,
cantadores, instrumentistas e amigos neste CD
que representa seu clã de rainhas e reis coroados
pelo extremo amor e dedicação à música brasileira.
Nosso violeiro andante conhece bem os vãos
entre as cordas da viola por onde passam encantos
e surpresas, por onde passa a
Arte que habita o profundo e a pele
destas parcerias. Já podemos ouvir
‘no vento uma cantiga nova
Soando na imensidão da pétala da rosa’”

(Consuelo de Paula)



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